CATAN

SEJARAH TEMPATAN

Di Malaysia, seni catan mula berkembang pada awal abad ke – 19. Terdapat kepercayaan bahawa pengembara-pengembara Eropah dan Inggeris telah meminta pelukis-pelukis negeri-negeri selat berketurunan Cina atau Melayu untuk melukis gambaran kehidupan tempatan yang bermotifkan flora dan fauna. Ini disebabkan oleh minat mereka atau sebagai rekod sejarah. Lukis-lukisan dan catan-catan tersebut banyak ditempah oleh pegawai-pegawai Syarikat Hindia Timur yang ditempatkan diMalaya.

Pihak Inggeris telah memperkenalkan genre lukisan / catan landskap dalam aliran Realisme, zaman Pre-Raphelites, Turner dan Constable. Ini telah berterusan sehingga abad ke-19 apabila Seni Eropah terutama Seni Perancis mula memberi kesannya kepada seluruh rantau dengan pergerakan-pergerakan seni seperti Impresionisme, Kubisme, Surealisme, Futurisme dan Konstruktivisme.

Sumbangan golongan Cina kepada seni perkembangan seni Malaysia dan Singapura berpunca daripada pendatang dan pelawat cina seperti Yu Beihong yang telah bermastautin di Pulau Pinang untuk beberapa tahun. Mereka juga telah berkunjung ke Singapura untuk sesuatu jangka masa. Mereka telah menerima pendidikan dalam lukisan berus cina dan kaligrafi di China.

Pada mulanya halatuju penghijrah-penghijrah awal dari China adalah untuk meneruskan sara hidup masing-masing. Seni halus tidak pernah difikirkan. Hanya selepas mereka bertapak kukuh dan berjaya dalam kehidupan, barulah terdapat beberapa penghijrahanberdasarkan kreativiti artistik mereka. Terdapat yang terlibat dalam pendidikan Seni dan ada pula yang menjadi pelukis amatur. Di antara yang berjaya dalam bidang seni ialah Lee Kah Yeow, Wang Yau, Reverend Chuk Mor, Reverend Pak Yuen, Chai Horng, Chung Hoong Kong dan Wei Sin.

Kesimpulannya pada awal tahun 1920 an terdapat pelukis yang mempamirkan hasil karyanya. Pameran Seni Lukis Seni yang terawal di Singapura ialah pameran Lian Xiao OhPastel He Qui Qo pada tahun 1926. Aktiviti-aktiviti seni yang awal di Pulau Pinang bermila apabila pengasasan Pulau Pinang pada tahun 1786 oleh Sir Francis Light di bawah Syarikat Hindia Timur. Pelukis- pelukis Inggeris yang tinggal di Pulau Pinang gemar melukis pemandangan laut dan keindahan alam semulajadi di pulau tersebut. Kemungkinan terdapat pelukis tempatan yang membekalkan lukisan-lukisan kepada kepada para penaung Syarikat perniagaan Eropah.

Perkembangan seni moden boleh dikesan sehingga tahun 1920 an semasa kumpulan Peneng Impressionist ditubuhkan. Kumpulan ini terdiri daripada ekspatriat Eropah yang kebanyakkannya suri rumah bangsa Inggeris. Disebabkan sikap-sikap kolonialistik pada masa itu, pelukis-pelukis tempatan Pulau Pinang tidak menyetai Peneng Impresionist. Dua orang pelukis tempatan yang diterima menganggotainya ialah Puan Lim Cheng kung dan Abdullah Ariff. Penerimaan Abdullah Ariff di dalam kumpulan itu adalah kerana perkhidmatan beliau sebagai seorang pendidik seni yang diperlukan, manakala Puan Lim pulapula merupakan seorang isteri jutawan yang dapat memberi dari segi kewangan.

Pada tahun 1920 an merupakan perngkat penting dalam sejarah seni lukis Pulau Pinang. Yung Mun Seng telah datang ke Pulau Pinang dari Singapura dan memdirikan studio seninya. Pelukis pertama yang mengadakan pameran seni lukis di Malaysia adalah Ooi Hwa yang telah mempamirkan karya-karyanya di Pulau Pinangpada tahun 1927. Ooi Hwa dan Lee Cheng Yong mungkin merupakan pelukis pertama yang pergi ke luar negari untuk mempelajari Seni Akademi Seni halus Shanghai. SITC (Sultan Idris Training College) ditubuhkan pada tahun 1922. Mata pelajaran seni merupakan salah satu mata pelajaran seni yang telah di ajar di samping subjek-subjek lain. Komponen subjek Pendidikan Seni diajar bersama-samadengan pertukangan tangan seperti membuat dan lain-lain seni pertukangan rakyat pada ketika itu.

1935-penuntut sekolah Seni Halus Shanghai telah menubuhkan Salon Art Studies Society yang kemudiannya ditukar kepada Persatuan Pelukis-Pelukis Cina. 1936-Kelab Seni Lukis Cina P.Pinang diasaskan oleh Yong Mun Seng yang beraliran Realisme Barat dan Post Impressionisme. 1938-Lim Hak Tai menubuhkan Akademi Seni Halus Nanyang dan antara pelukis terkenal yang berjaya dilahirkan ialah Cheong Shuu Peng,Georgette,Chen Song Swee. Pada tahun 1948, Tay hooi Keat menjadi warganegara Malaysia pertama yang pergi ke Britain untuk mempelajari seni lukis di Camberwell School of Art.

Selepas perang tamat, Pulau Pinang menjadi pusat daya tarikan para pelukis. Frank Sullivan, penaung seni yang terkenal telah menemui Mohd Hoessein Enas di Pulau Pinang pada tahun 1949 dan telah menggesa beliau berpindah ke Kuala Lumpur . Hoession seterusnya menubuhkan Angkatan Pelukis semenanjung dan menjadi tokoh seni kebangsaan yang terkenal.

1949-Persatuan Seni Singapura telah ditubuhkan oleh Dr. Gibson Hill yang juga mengetuai Raffles Museum. Tahun 50-an, Syed Ahmad Jamal dan Yeo Jin Leng serta beberapa orang lain pulang ke tanah air sesudah menerima alatihan di England.Mereka memperkenalkan aliran abstrak ekspressionisme kepada masyarakat tempatan melalui karya mereka. Wednesday Art Group telah ditubuhkan pada tahun 1952 di Kuala Lumpur oleh Peter Harris, Penguasa Seni di Kementerian Pendidikan dan beliau adalah lepasan sekolah seni di United Kingdom. Beliau memperkenalkan estetik dan teknik seni lukis moden kepada guru-guru dan pelukis muda tempatan yang berminat. Di antara pelukis-pelukis yang mendapat tunjuk ajar dan galakan beliau ialah Patrick Ng, Cheong Lai Tong, Zakariah Noor, Ismail Mustan, Dzulkifli Buyong, Ho Kai Peng, Liu Siat Mooi, Grace Selvanayagam, Phoon Poh Hoon, Jolly Koh dan Syed Ahmad Jamal.

1954 tertubuhnya The Selangor Art Society yang menganjurkan agar anggotanya berjumpa untuk melukis pada hari Khamis Hoessein Enas bersama dengan kawan-kawannya menubuhkan “Angkatan Pelukis Semenanjung” (APS) pada tahun 1956dengan cogan katanya “seni untuk masyarakat” dan menggunakan kaedah figurative. Pada 27Ogos 1958, tertubuhlah Balai Seni Lukis Negara, merupakan lambang pengiktirafan kerajaan kepada kegiatan seni. Pelukis Malaysia pertama yang mengadakan pameran solo di seberang laut ialah Chuah Thean Teng yang diadakan di London pada tahun 1959. dan dipersembahkan oleh Majlis Kesenian Persekutuan. Catan batik eksotik yang dihasilkan sejak beliau membuka Yahong Gallery pada tahun 1955 telah meninggikan taraf batik daripada hasil pertukangan tangan kepada bentuk seni halus.

Special Teachers Training Institute (STTI) ditubuhkan pada tahun 1960 yang kemudiannya ditukar kepada Maktab Perguruan Ilmu Khas (MPIK). Guru-guru yang berminat di bidang seni diberi peluang melanjutkan pelajaran melalui kursus sepenuh masa selama satu tahun. Mereka yang menunjukkan bakat besar dihantar untuk melanjutkan pengajian ke luar negara. Golongan pelukis-pelukis dan pendidik seni telah menjadi tenaga utama seni lukis pada lewat tahun 1960an. Kakitangan akademik Jabatan Seni di Maktab Perguruan Ilmu Khas seperti Syed Ahmad Jamal, Anthony Lau, Lee Joo For, Cheong Laitong, Jolly Koh dan lain-lain lagi memainkan peranan yang penting dalam seni lukis avant-garde di negara ini.

Awal tahun 1970an pensyarah-pensyarah Institut Teknologi terdiri dari kumpulan ’New Scene’ seperti Redza Piyadasa, Sulaiman Haji Esa, Chong Kam Kow, Tan Teong Eng, Joseph Tan dan lain-lain lagi. Kumpulan ini telah mendebarkan keadaan seni lukis tempatan dengan ungkapan-ungkapan yang mencabar. Pendekatan gaya catan mereka yang berasaskan optik dan maklumat telah mengejutkan pelukis-pelukis tempatan dan masyarakat umum.

Catan hard-edge yang menegaskan kedataran dan tanpa isyarat yang dipelopori oleh Chong Kam Kow, Tan Teong Eng dan Tong Tuck telah mempunyai ikutan yang teguh di awal 1970an. 1974 Abdul Latif Mohidin telah menghidupkan pendekatan yang baru di kalangan ahli-ahli muda dan menubuhkan Kumpulan Anak Alam sebagai kumpulan serpihan Angkatan Pelukis SeMalaysia. Persatuan Pelukis Malaysia ditubuhkan pada tahun 1980 dengan hasrat mewujudkan sebuah badan yang betul-betul mewakili pelukis, memperbaiki kedudukan pelukis dan bekerjasama dengan kerajaan mengenai hal-hal yang berkaitan dengan seni lukis di Malaysia dan Luar negara.

BIODATA JAAFAR TAIB

Jaafar Taib dilahirkan di Alor Gajah, Melaka pada 28hb Julai, 1952. Beliau memulakan karier di dalam bidang seni lukis lebih dari 25 tahun yang lalu sebagai seorang illustrator, dan pada hari ini beliau telah pun mencapai reputasi yang teguh di dalam dunia penerbitan. Beliau tidak hanya berjaya sebagai seorang kartunis dan ilustrator bahkan telah berjaya mencipta nama sebagai seorang ahli perniagaan yang disegani. Beliau telah berjaya menubuhkan dan menerajui syarikat Creative Enterprise Sdn Bhd, sebuah syarikat penerbitan yang mengumpulkan antara artis-artis dan karyawan seni berbakat dan mahir di tanah air.Bakat semula jadi Jaafar Taib terserlah melalui berbagai aspek seni lukis, termasuk melalui figura manusia dan haiwan, dan juga hasil-hasil kerja seni yang mengabungkan elemen-elemen kebudayaan. Walaubagaimanapun, sejak beberapa tahun ini beliau lebih menumpukan perhatian kepada himpunan lukisan koleksi  Birds Of Malaysia (Speisis Burung Malaysia) yang setakat ini sudah mengandungi lebih daripada 120 spesis burung .

Hasil karya seni beliau mendapat perhatian dari pelbagai peringkat dan lapisan masyarakat dan mendapat penghargaan di merata tempat, dari pameran yang diadakan di tengah-tengah hutan sehingga ke galeri di dalam istana. Sebahagian besar dari hasil kerja Jaafar Taib setakat ini telah dibeli dan dikumpulkan oleh pihak pihak swasta dan korporat tempatan dan luar negeri. Diantara pengumpul yang terkenal termasuk Yang Mulia Raja Muda Selangor, Bekas Perdana Menteri Malaysia Tun Dr Mahathir Bin Mohammad dan Tun Ghafar Baba, Pengerusi syarikat Shapadu Holdings Berhad, Muzium Kementerian Pertahanan Malaysia (MINDEF), Southern Bank Berhad, Bank Negara Malaysia, Parlimen Malaysia dan banyak lagi.Hasil-hasil kerja Jaafar Taib juga pernah dipilih menjadi hiasan muka depan kalendar yang diterbitkan oleh berbagai syarikat korporat, antaranya Edaran Otomobil Nasional Berhad (EON), ESSO, TOSHIBA, dan Tenaga Nasional Berhad (TNB). Disamping itu, karya-karya beliau juga pernah diterbitkan oleh berbagai syarikat penerbitan tempatan dan juga luar negara

BIODATA LATIFF MOHIDIN

Abdul Latiff bin Haji Mohidin (A. Latiff Mohidin, Alma) dilahirkan pada 20 Ogos 1938 di Seremban, Negeri Sembilan. Anak kepada bekas syeikh haji ini awal-awal lagi telah memperlihatkan bakat seninya.  Sewaktu berumur sembilan tahun, beliau telah pun mencipta beberapa lukisan cat minyak.  Pada awal tahun 1960-an, Latiff telah menunjukkan pula kebolehan yang lain, iaitu menulis puisi.

Latiff menerima pendidikan awalnya dari Sekolah Melayu Lenggeng hingga lulus darjah IV.  Sesudah itu, Latiff menyambung pelajarannya di Sekolah Melayu Kota Raja dan Mercantile Institution, Singapura.  Kemudian pada tahun 1954, beliau kembali ke Seremban dan belajar di Sekolah King George V dengan biasiswa kerajaan negeri, hinggalah lulus School Certificate pada tahun 1959. Pertengahan tahun 1960, Latiff meninggalkan tanah air untuk menuntut di Academy of Fine Arts, Berlin, Jerman selama empat tahun dengan biaya pemerintah Republik Persekutuan Jerman.

Sehingga tahun 1971, Latiff cukup banyak mengembara sambil memperluas pengalaman dan mencipta pelbagai bentuk seni terutamanya seni lukis.  Hasil ciptaannya telah dipamerkan dari semasa ke semasa sama ada pameran secara perseorangan ataupun bersama, baik di dalam mahupun di luar negeri.  Sewaktu belajar di Berlin, Latiff sempat melawat seluruh Eropah Barat dan selepas itu ke beberapa buah negara Asia Tenggara.  Dalam tahun 1969, Latiff mendapat hadiah (grant) dari Kementerian Kebudayaan Perancis untuk mengikuti kursus seni goresan di Atelier La Courrier, Paris dan kemudian ditawarkan pula Biasiswa Rockefeller untuk meneruskan kursus yang sama di Pratt Graphic Centre, New York, Amerika Syarikat yang diakhiri dengan lawatan seni sekeliling dunia.

Dalam perjalanan dalam tahun-tahun 1960-an inilah Latiff mulai menghasilkan beberapa buah puisi, termasuk sebuah puisi yang terkenal iaitu “Sungai Mekong” yang kemudian menjadi judul kumpulan puisinya yang pertama.

Latiff mencipta dalam satu era pembangunan dan modenisasi yang telah bebas daripada tekanan pentadbiran kolonial dan justeru suasana yang begini memberikannya lebih banyak perhatian terhadap masalah pertumbuhan peribadi daripada masalah sosiopolitik.  Latiff ialah penulis yang tumbuh dengan pendidikan moden yang liberal dan oleh sebab beliau ialah pelukis-penyair yang paling banyak mengembara di Eropah dan Asia, maka Latiff berkesempatan pula berkenalan dengan tradisi dan sastera dunia yang beragam.

Puisi-puisi Latiff tidak bertujuan membicarakan sistem atau ideologi yang besar kerana ia lahir terus daripada sumber batin dan pengalaman sehari-hari peribadi penyair sendiri.  Sia-sia sahaja jika kita mahu mencari masalah “pertentangan kelas, penindasan kebebasan atau pesanan pembangunan” di dalam puisinya.  Yang mengalir dalam puisinya ialah kesan-kesan perasaan, kenangan mimpi dan lapisan pengalaman  melalui imaginasinya.  Pembaca juga akan menemui banyak sekali imejan benda-benda yang biasa dan unsur-unsur yang lumrah seperti tiket, surat, sotong, burung  gagak, cicak, dan sungai.  Latiff tidak menampilkan benda dan unsur tersebut dengan terperinci sebagai gambar yang mati.  Beliau berusaha melampaui garis kenyataan dengan tenaga imaginasinya serta melihat pelbagai kemungkinan getar peristiwa yang wujud di sebalik benda-benda dan unsur-unsur alam tersebut.

Latiff dapat dianggap sebagai penyair yang banyak mengelakkan diri daripada memperkatakan masalah politik dan kemasyarakatan dalam puisinya.  Latiff lebih gemar mendekatkan dirinya kepada alam dan tata jalur kejadiannya.  Dalam puisi-puisinya boleh ditemui suara hatinya sebagai seorang pengembara yang mencari erti kehidupan dan yang selalu ingin menyebatikan jiwanya dengan anasir-anasir alam.  Di samping membawa kelainan tema pengucapan Latiff yang segar, dapat disamakan dengan kesegaran sebuah lukisan, penuh aneka palitan warna dan tafsiran.

Sungguhpun demikian Latiff cukup mengerti dan toleran terhadap “kesusasteraan yang komited” yang menjadi ciri penting dalam suasana kreatif di Malaysia.  Diksi puisinya daripada bahasa dan kata-kata biasa yang diolah sepenuh dan sedapat mungkin bagi pengucapan isi jiwa dan fikirannya. Puisi Latiff padat, ekonomis kata-kata, berbaris pendek dan pada beberapa karyanya terlihat ‘bentuk-bebas’ yang menekankan kesan visual.  Penekanan kesan  visual ini hasil kemungkinan bentuk daripada `puisi konkrit’ Eropah, ‘canggahan kata’ pepatah Minang dan seterusnya daripada `sketsa budaya’ yang memang menjadi sebahagian daripada kehidupan seni kreatif Latiff sendiri.

Walaupun Latiff berhasil menggunakan bentuk bebas secara matang, tetapi puisinya tetap merupakan pengucapan jiwa manusia Timur yang masih erat dengan kekayaan dan keindahan alam sekitar.  Meskipun melalui kata-kata, Latiff tidak menyatakan secara jelas pemberontakannya terhadap hal-hal yang lazim dan mundur,  tetapi daripada cara dan gaya berpuisi beliau sebenarnya telah pun menyatakan sikap dan pendiriannya yang tersendiri itu.

Sehingga kini, puisi-puisi Latiff telah diterjemahkan ke dalam bahasa Inggeris, Cina, Jerman, Itali, Danish, dan Tamil.  Terjemahan Inggeris banyak dilakukan oleh Adibah Amin dan Mansor Ahmad Saman.

Rasanya pembicaraan tentang Latiff ini tidak akan lengkap tanpa menyentuh secara umum penglibatan Latiff dalam dunia seni lukis kerana bidang ini juga adalah sebahagian daripada kehidupannya.  Latiff pernah menyebut bahawa: “Umumnya seniman moden dari Asia memang mempunyai kebolehan untuk mempelajari pengolahan teknik dari Barat, tetapi yang lebih penting ialah bagaimana memperlihatkan keaslian, kesungguhan, dan kesegaran berkarya”.

Antara tahun 1962 dan 1983, Latiff telah beberapa kali mempamerkan hasil karya seni lukisnya, antaranya termasuklah di Bona, Berlin, Frankfurt, Hamburg, Bangkok, Singapura, New Delhi, New York, Sydney, Sao Paulo, Osaka, Montreal, Manila, Jakarta, Dublin dan London, selain Petaling Jaya, Pulau Pinang, dan Kuala Lumpur.  Sebagai pelukis.  Latiff pernah dianggap pelukis abstrak Malaysia yang mencerminkan pengertian terhadap alam setempat seperti mana yang terlihat dalam siri “Pago-Pago”nya.

Seperti juga dalam puisinya, pencarian Latiff terhadap `daerah tempatan’ menariknya ke arah alam dan kita dapati baik sebagai pelukis ataupun penyair,  beliau adalah seniman yang cukup mesra dengan lingkungan semula jadinya.

Dari tahun 1963 hingga tahun 1969, Latiff amat giat dan tekun mencipta, merangkumi tiga bidang seni yang berlainan dalam pengucapannya.  Dalam lukisan minyaknya, ukiran arcanya dan goresan cetaknya terdapat keselarasan yang luar biasa terhadap saluran-saluran yang berlainan alat atau bahan.  Melalui siri-siri ciptaannya, “Pago-Pago”, “Mindscape” dan “Langkawi”, menjadikan Latiff seorang tokoh pelukis penting di negara ini.

Selain kegiatan mencipta puisi dan lukisan, Latiff pernah menjadi pemimpin tidak rasmi sekumpulan anak muda yang berbakat seni, yakni kumpulan “Anak Alam” di tengah-tengah ibu kota Kuala Lumpur.  Selepas berumah tangga, Latiff telah diberikan penghargaan sebagai Fellow Kreatif dan Seniman Tamu, masing-masing di Universiti Sains Malaysia, Pulau Pinang (1977 – 1979) dan Universiti Kebangsaan Malaysia, Bangi (1980).

Latiff pernah memenangi berbagai-bagai hadiah utama sastera, terutama Hadiah Karya Sastera/Hadiah Sastera Malaysia sejak tahun 1971. Beliau memenangi Anugerah Puisi Putera 1 anjuran Bank Bumiputera dan GAPENA.  Pada tahun 1984, Latiff terpilih mewakili Malaysia menerima S.E.A. Write Awards di Bangkok.  Mulai tahun 1986, Dewan Bahasa dan Pustaka telah memberi penghormatan kepada beliau menjadi penulis tamu dan untuk mengisi projek sebagai penulis tamu, Latiff telah menumpukan tenaganya kepada penulisan kembali pengalaman dan proses penciptaan seninya.

JAAFAR TAIB PAINTING

PURPLE SWAWPHEN

Year : 2008

Medium : Oil on Canvas

PYGMY COTTON GOOSE

Year :2008

Medium : Oil on Canvas

Size : 24in x 48in

RED JUNGLE FOWL

Year : 2010

Medium : Pen On Paper

Size : 23in x 39in

CETAKAN KONTEMPORARI

Hasil penulisan tentang perkembangan seni cetak di Malaysia masih terlalu kurang jika dibandingkan dengan seni catan.Seperti seni arca, seni cetak tidak begitu mendapat perhatian dalam perkembangan awal seni lukis kontemporari Malaysia kerana perkembangan sejarah seni moden lazimnya dilihat dari sudut sejarah seni catan.Hal ini diburukkan oleh hakikat bahawa seni cetak hanyalah kegiatan "seni pinggiran" bagi karyawan catan pada peringkat awal perkembangan seni lukis kontemporari Malaysia.

Fenomena ini menyebabkan seni cetak terpinggir, meskipun dari sudut sejarah,seni cetak berkembang seiringan dengan seni catan sewaktu era penjajahan Inggeris.Bastin dan Rohatgi dalam kajian mereka menyebut bahawa penemuan teknik cetakan akuatin telah memungkinkan keindahan landskap tanah jajahan yang dirakamkan menerusi lukisan dan catan pelukis Barat sekitar 1786 hingga 1824 dipindahkan dalam bentuk seni.Dalam konteks ini, seni cetak turut memainkan peranan dalam mempopularkan tema landskap dalam kegiatan seni lukis era penjajahan.

Antara faktor lain yang menghalang seni cetak berkembang sebaik catan adalah kerana disiplin seni ini memerlukan persediaan kelengkapan yang besar kos perbelanjaannya seperti penyediaan bengkel dengan peralatan-peralatan khusus.Hal ini tidak memungkinkan kegiatan seni cetak dilakukan secara serius oleh kebanyakkan pelukis,kecuali mereka yang benar-benar komited.

Di samping faktor-faktor fizikal ini, seni cetak turut dihimpit oleh kecenderungan khayalak dan institusi seni yang secara umumnya lebih memihak kepada seni catan, baik dalam konteks penaungan,pemilikan,mahupun penganjuran aktiviti serta pemeran.Kefahaman khayalak terhadap konsep dan etika disiplin seni cetak asli masih diragukan,serta lenyapnya batasan dalam mentakrifkan cabang-cabang seni halus juga merugikan bidang seni cetak.

Di samping itu,kemunculan seni digital yang berlandaskan kemajuan teknologi komputer turut mencabar kewibawaan bidang seni cetak dalam mengharungi arus perkembangan seni lukis negara.Justeru,kepentingan pengertian seni cetak semakin dipersoalkan.

Perkembangan awal seni cetak kontemporari di negara ini boleh dirujuk kepada kegiatan seni cetak potongan kayu oleh pelukis-pelukis Akedemi Nanyang di Singapura pada akhir tahun 1940-an.Tidak seperti kegiatan seni catan awal pada akhir tahun 1920-an yang tertumpu pada tema landskap alam semula jadi yang romantis,karya seni cetak awal lebih banyak menggambarkan suasana kehidupan seharian masyarakat,seperti kehidupan pekerja buruh kasar,peniaga,dan kehidupan penduduk di kawasan setinggan dan kampung Melayu.Hal ini ada kaitan dengan prinsip seni pelukis Nanyang,kecenderungan media massa, dan pengaruh seni cetakan kayu Cina.

Meskipun kecenderungan merakamkan pemandangan tempatan menjadi trend umum pelukis-pelukis nanyang sejak penubuhannya pada tahun 1938,terdapat sekumpulan pelukis muda akademi itu pada akhir tahun 1940-an yang lebih berminat menggambarkan tema kemasyarakatan.

Mereka terdiri daripada beberapa tenaga pengajar muda seperti Lim Yew Kuan,Chuah Mia Tee,dan Tan Tee Chie.Mereka menganggap diri mereka sebagai pelukis realis yang menekankan gambaran realiri kehidupan seharian tanpa ciri-ciri romantik dan sentimental.

Perkembangan tema dan gaya seni lukis kontemporari Malaysia pascamerdeka banyak dipengaruhi oleh faktor pendidikan.Pada dekad 1950-an,dua kumpulan pelukis yang penting telah ditubuhkan di Kuala Lumpur,iaitu Wednesday Art Group (1952) dan Angkatan Pelukis Semenanjung (1956),Ketika negara belum mempunyai sekolah seni lukis secara formal, kedua-dua kumpulan ini memainkan peranan besar dalam mengembangkan seni lukis menerusi kelas-kelas lukisan yang dianjurkan.

Pada tahun 1954 program latihan guru seni lukis diperkenalkan di Institut Perguruan Ilmu Khas untuk melahirkan guru-guru terlatih dalam mengendalikan mata pelajaran seni lukis di sekolah-sekolah.Kesedaran akan pentingnya pendidikan seni serta kekurangan guru-guru terlatih memungkinkan lebih ramai pelukis dihantar belajar ke luar negara bagi mendalami bidang seni.Antara mereka ialah Tay Hooi Keat,Syed Ahmad Jamal,Abdul Latiff Mohidin,Lee Joo For,Yeoh Jin Leng,Ismail Zain,dan Ibrahim Hussein.Pada dekad 1960-an lebih banyak pelukis menuntut di luar negara,seperti Redza Piyadasa,Sulaiman Esa,Joseph Tan,Long Thien Shih,Loh Foo Sang,Hashim Hassan,dan Ahmad Khalid Yusof.

Lee Joo For dan Abdul Latiff Mohidin adalah antara pelukis negara yang aktif menghasilkan karya seni cetak pada dekad 1960-an.Meskipun begitu,seni cetak umumnya masih bersifat sampingan kerana kerja kreatif utama pelukis Malaysia ketika itu ialah catan.Menerusi cetakan gurisan asid dan potongan lino,Lee Joo For menggabungkanjalinkan imejan-imejan kepelbagaian budaya yang dipinjam daripada kesenian dan tradisi Jepun,India,dan malahan daripada karya-karya pelukis moden seperti Matisse,Picasso,dan kubisme.

Meskipun kegiatan seni cetak masih bersifat pinggiran,terdapat juga beberapa pameran khusus mengenainya di Kuala Lumpur pada sekitaran dekad 1960-an itu.Antaranya pameran seni cetak potongan kayu Akedemi Nanyang (1966) dan pameran gurisan asid pelukis Atelier 17 Paris di Galeri Samat (1968)

Pameran-pameran seumpama ini telah mendedahkan khayalak,terutamanya guru-guru dan murid-murid sekolah akan keunikan seni cetak,justeru telah mempopularkan bidang seni cetak potongan lino di sekolah-sekolah.Edward Pragasam adalah antara guru seni cetak yang gigih mendidik pelajar-pelajarnya seni cetakan lino di Sekolah Menengah Baki Johor Bahru pada sekitar 1970-an.

Menjelang akhir tahun 1960-an,lebih banyak pelukis tempatan melanjutkan pengajian di luar negara.Antara mereka yang turut menyumbang ke arah perkembangan gaya dan tema seni cetak di negara ini ialah Sulaiman Esa,Long Thien Shih,Loo Foh Sang,dan Ahmad Khalid Yusof.Long Thien Shih,Loo Foh Sang,dan Abdul Latiff Mohidin mengikuti pengajian seni cetak di Atelier 17,Paris,pada akhir dekad 1960-an.

Ahmad Khalid Yusof yang menuntut di Wichester School of Art di England (1965-69) banyak menghasilkan karya seni cetak sutera saring pada tahun 1970-an,begitu juga dengan Lee Kian Seng yang belajar seni cetak di Institut Seni Cetak Tokyo,Universiti Seni Halus Jepun.Sumbangan para pelukis ini dalam perkembangan gaya dan tema seni cetak Malaysia begitu menyerlah mulai tahun 1970-an.

Long Thien Shih dalam tulisannya menyebut bahawa pada akhir tahun 1960-an,karya seni cetak terus terpinggir oleh kepopularan seni catan abstrak dan seni catan bukan objektif.Seni cetak yang berukuran kecil tidak dapat bersaing dengan karya catan yang besar.

Dalam keadaan seni cetak terus terhimpit,kegigihan beberapa pengkarnya untuk terus mengetengahkan seni cetak telah memastikan ia tidak terus terkubur.Dalam konteks ini,penglibatan para lulusan Atelier 17,Paris,seperti Long Thien Shih,Loo Foh Sang,Abdul Latiff Mohidin,dan Sulaiman Esa,serta karyawan-karyawan lain seperti Lee Joo For,Ahmad Khalid Yusof,dan Lee Kian Seng amat penting dalam meneruskan tradisi seni cetak kontemporari di negara ini.

Pada tahun 1970 seni cetak menerima nafas baru apabila ditawarkan sebagai satu bidang pengkhususan di samping catan dan arca dalam program diploma seni halus di Kajian Seni Lukis dan Seni Reka (KSSR),Institut Teknologi MARA (ITM).Antara tenaga pengajar ketika itu ialah Abdul Latiff Mohidin,Sulaiman Esa,Lee Kian Seng,dan Kok Yew Phuah.

Penawaran seni cetak sebagai satu bidang pengkhususan dalam program seni halus di KSSR,ITM telah berjaya menghasilkan banyak pengkarya seni cetak yang utama di negara ini seperti Ponirin Amin,Mansor Ibrahim,Ismail Latiff,Juhari Said,Awang Damit Ahmad,Rahime Harun,Bahaman Hashim,dan Mohd Jamil Mat Isa.

Sistem kurikulum yang membolehkan pelajar memilih bidang pengkhususan major dan minor daripada cabang-cabang seni catan,arca dan cetakan telah memungkinkan pelajar-pelajar di institusi itu terdedah kepada seni cetak.Hasilnya,mereka kenal dan mampu menghasilkan karya seni cetak,kalaupun tidak menjadikannya sebagai ,edium ekspresi estetik yang utama.

Ada antara lulusan seni cetak itu yang melanjutkan pengajian di luar negara dalam bidang seni cetak itu yang melanjutkan pengajian di luar negara dalam bidang seni cetak dan kembali sebagai tenaga pengajar,misalnya Ponirin Amin (West Surrey School of Art and Design,Manchester Polytechnic UK),Abdul Mansor Ibrahim (Atelier 17,Paris),Bahaman Hashim (School of Art Institute,Chicago),dan Mohd. Jamil Mat Isa (University of Central England).

Juhari Said pula menerima anugerah penyelidikan daripada Kerajaan Perancis untuk mengikuti pengajian seni cetak di Paris pada tahun 1993 dan anugerah daripada Japan Foundation untuk mengikuti pengajian seni cetak tersohor Jepun Yoshisuke Funasaka.Dalam barisan nama pelukis tanah air,Juhari Said muncul sebaga salah seorang pengkarya seni cetak sepenuh masa yang paling profilik,gigih,konsisten dan berjaya.

Selain penawran seni cetak sebagai bidang pengkhususan program seni halus di institusi-institusi pengajian tinggi tempatan,suasana sihat seni cetak pada dekad 1970-an turut tercermin menerusi panganjuran pameran dan pertandingan seni cetak oleh Balai Seni Lukis Negara.Lee Kian Seng memenangi hadiah utama menerusi karya of Image Object,Illusion off Series Mechanism dalam Pertandingan Terbuka Seni Lukis dan Cetakan Grafik 1971 anjuran ESSO dan dikelolakan oleh Balai Seni Lukis Negara.Pameran Terbuka dan Pertandingan Seni Cetak Kebangsaan pada tahun 1974 yang bertujuan menghidupkan minat terhadap seni grafik di negara ini menerima 196 karya daripada 41 peserta.Karya serigrafi Raja Zahabuddin Raja Yaacob yang berjudul Luar dari yang Tidak Diketahui memenangi hadiah utama.Dalam Salon Malaysia 1978/79,karya Ponirin Amin berjudul Di Atas Pentasmu Nan Sepi dan karya Ismail Latiff Lembah Binaan memenangi anugerah Frank Sullivan.

Tema dan gaya seni cetak tidak terpisah daripada isu-isu berkaitan kebudayaan dan kesenian setempat,terutamanya dalam persoalan mencari identiti.Setelah gaya seni abstrak Barat mendominasi seni lukis dekad 1960-an,para pelukis berusaha mencari pengucapan seni yang baru bersesuaian dengan rupa dan jiwa setempat,di samping mempersoalkan gaya sedia ada.

Justeru,muncul kumpulan pelukis yang berusaha mencari gaya estetik alternatif menerusi pameran-pameran seperti The New Scene (1969),Experiment ' 70 (1970),dan Dokumentasi ' 72 (1972).Pelukis-pelukis yang terlibat dalam pameran-pameran ini ialah Redza Piyadasa,Sulaiman Esa,Tan Teong Eng,Tan Teong Kooi,Tang Tuck Kan,dan Choong Kam Kow.

Mohamed Ali Abdul Rahman dalam kajiannya Modern Malaysian Art : Manifestation of Malay Form and Content antara lain menghuraikan aspek-aspek rupa dan jiwa Melayu dalam karya-karya seni tempatan terjelma menerusi rujukan para pelukis terhadap kesusasteraan dan mitologi ; agama,kepercayaan dan adat ; alam semula jadi,kuasa ghaib dan luar biasa ; serta hikayat da lagenda.Sumber-sumber asas ini diolah oleh para pengkarya menerusi tatabahasa visual yang pelbagai.

Pendekatan figuratif dalam seni cetak digunakan oleh Long Thien Shih dan Lee Kian Seng dalam menyelesaikan persoalan identiti.Long Thien Shih menerusi cetakan gurisan asid Not Yet,But It's Going To Happen (1971) dan Roh-roh yang Mentertawakan Kita (1975) menggabungjalinkan unsur-unsur jenaka dan surealistik bagi membangkitkan isu kemanusiaan dan alam sekitar.Lee Kian Seng pula menggunakan ciri-ciri seni pop melalui teknik serigrafi dan batik untuk menggarap isu-isu jati diri dan identiti seperti dalam Of Image Object,Illusion off Series Mechanism (1971) dan Yin Yang Series Soul and Form ... Sound (1973/74).

Persoalan identiti,terutamanya isu pertembungan atau konflik nilai Timur-Islam dengan Barat telah dikupas oleh Sulaiman Esa menerusi karya cetakan gurisan asid yang kontroversi berjudul Waiting For Godot (1978).Pertentangan nilai itu dikiaskan oleh pelukis menerusi imejan figura wanita bogel yang mewakili budaya barat dengan ragam hias seni bina Islam bagi mewakili nilai-nilai Islam.

Dalam konteks seni lukis kontemporari Malaysia,Piyadasa menyifatkan salah satu sumbangan besar Sulaiman Esa dalam dunia seni lukis tempatan adalah menerusi bidang seni cetak yang diceburinya. Menjelang pertengahan 1980-an,Sulaiman Esa menemui identiti keislaman dalam seninya menerusi karya-karya abstrak motif Islam ke Arah Tauhid

Kongres Kebudayaan Kebangsaan mempengaruhi terutamanya bentuk dan makna karya-karya seni cetak pelukis Melayu dan lulusan KSSR,ITM.Ahmad Khalid Yusof menerusi catan dan cetakan sutera saring seperti Alif Ba Ta (1971) menggunakan huruf-huruf Jawi sebagai motif seni yang bukan sahaja menyelesaikan masalah ruang dan permukaan karya malah menjawab kepada persoalan mencari identiti seni berteraskan nilai-nilai tradisi dan keislaman.Dalam konteks ini,dia telah sejak awal 1970-an menyelesaikan isu-isu yang dibangkitkan dalam Kongres Kebudayaan Kebangsaan.

Di samping Ahmad Khalid Yusof,nafas kesenian Islam turut terjelma dalam karya-karya cetakan Ponirin Amin,lulusan dan tenaga pengajar di ITM.Berbeza daripada Ahmad Khalid Yusof yang menggunakan Jawi,Ponirin memindahkan petikan-petikan ayat suci al-Quran ke dalam karya seni cetaknya,justeru menghubungkan secara langsung tradisi seni cetak kontemporari Malaysia dengan pendekatan seni Islam.

Karyawan-karyawan lain yang turut merujuk kepada aspek-aspek tradisi dan peribumi ialah Victor Chin,Ilse Noor,Tay Chee Toh,Ismail Latiff,Othman Mansor,Lai Loong Seng,Mansor Ibrahim,Juhari Said,Awang Damit Ahmad,Mohd Jamil Mat Isa,dan Wan Jamarul Imran.

Antara pengucapan unik yang tercermin dalam karya-karya Juhari Said,merujuk kepada peribahasa dan simpulan bahasa sebagai asas subjek dan pengerak bentuk serta mesej,seperti dalam karya Katak Nak Jadi Lembu (1999) dan Bila Telunjuk Menunding,Tiga Jari Menunding ke Arah Kita (1996).Rujukan terhadap kedua-dua cabang kesusasteraan tradisi ini amat menarik dan segar,kerana sebelumnya banyak karyawan merujuk kesusateraan tradisi sebagai sumber ilham,tetapi lebih tertumpu pada aspek-aspek sejarah,hikayat dan legenda.

Namun begitu,sebelum menemui siri karya berasaskan peribahasa dan simpulan bahasa ini,Juhari telah melewati beberapa tahap penting dalam kariernya : era percubaan (1982/83) ; pencarian subjek kukuh (1984/85) ; siri taman (1986/89) ; siri baju kurung (1990/92) ; dan printmaker's drawing : baju kurung no. 1-9 (1993).Karyanya Tiga Cawan Kopi (potongan kayu dan lino,1991) memenangi hadiah utama bahagian seni cetak dalam salon Malaysia 1991/1992.

Percubaan beberapa karyawan memperkenalkan teknik cetakan komputer dari satu sudut memperluaskan kemungkinan baru dalam pengolahan tatabahasa visual seni itu,dan dari satu sudut yang lain memperjudikan nilai seni cetak asli dengan mengaburkan definisi dan etika penghasilannya.

Penerimaan karyawan dan khayalak seni cetak terhadap cetakan komputer Kamarudzaman Md Isa Tanpa Tajuk (1985),ataupun karya-karya Ismail Zain Al Rumi (1986) dan Happy Birthday,Mr. Parameswara (1987) sebagai seni cetak asli ,masih boleh dipertikaikan.Namun begitu,dalam era pluralis yang menyaksikan peranan seni berpihak kepada suatu wadah pernyataan,apa jua bentuk seni yang dilihat daripada persepsi konvensional akan berdepan dengan pelbagai cabaran dan kemungkinan.

Jika direnungkan kembali serta dibandingkan dengan perkembangan pada dekad 1940-an hingga akhir 1960-an,seni cetak di negara ini ternyata telah melalui satu proses perubahan yang memberansangkan,sama ada dari segi tema mahupun gaya,ataupun penerimaan khayalak dan institusi seni secara umumnya.

Dalam era pluralis yang memberi banyak ruang serta kebebasan untuk pelukis berkarya tanpa dikongkong oleh batasan perngertian bentuk seni,kefahaman khayalak terhadap konsep dan etika disiplin seni cetak asli sewajarnya diperkukuhkan.Lenyapnya batasan dalam mentakrifkan seni cetak asli hanya akan merugikan bidang seni cetak itu sendiri.

Kemunculan seni digital yang berlandaskan kemajuan teknologi komputer turut mencabar kewibawaan bidang seni cetak dalam mengharungi arus perkembangan seni lukis negara.Justeru,pengertian serta etika menghasilkan seni cetak asli sewajarnya dipelajari dan dipertahankan,di samping menggunakan kemajuan teknologi sebagai pengukuh dalam proses pengkaryaan.

CETAKAN TIMBUL

Pengertian Seni Cetak timbul
Relief print atau Cetak timbul adalah salah satu dari beberapa macam teknik print atau cetak yang memiliki acuan permukaan timbul atau meninggi,.dimana berfungsi sebagai penghantar tinta (baik monokrom atau polikrom). Sedang bagian yang dasar atau permukaan yang tidak timbul merupakan bagian yang tidak akan terkena tinta atau disebut bagian negatif,sedang bagian yang kena tinta disebut bagian positif.

Untuk memperoleh wujud acuan yang timbul tersebut dapat dikerjakan dengan cara menghilangkan bagian-bagian yang tidak diperlukan menghantarkan tinta,sehingga tinggal bagian-bagian yang difungsikan sebagai penghantar warna atau tinta.
Menoreh bagian-bagian yang tidak diperlukan bukan satu-satunya cara atau tekhnik untuk mewujudkan acuan cetak timbul,teknik lain dapat pula diperoleh dengan menempelkan atau merekatkan bahan-bahan yang akan dipergunakan sebagai penghantar warna atau tinta cetak.teknik ini merupakan teknik lain untuk mewujudkan acuan cetak timbul yang sederhana pula. Tapi perlu diwaspadai bahwa penggunaan metode tempel ini memiliki kelemahan pada bagian tempelnya/kolasenya jika pengelemannya dan bahan yang digunakan tidak baik.

Salah satu sifat cetak timbul atau cetak timbul adalah bila acuannya sendiri diamati baik-baik, maka permukaan acuan akan tampak sebgai permukaan yang berukir atau berelief. Karena itu cetak timbul disebut pula sebagai cetak relief atau relief print.
Sebagaimana telah disinggung pada paragraf di atas bahwa untuk memperoleh acuan dapat diperoleh dengan cara menoreh atau menempel, maka berikut akan dijelaskan beberapa jenis teknik cetak timbul.

Jenis Teknik Cetak Timbul.

1.Teknik Woodcut/ Cukil Kayu

1.1. Sejarah Singkat Perkembangan Teknik Woodcut/ Cukil Kayu/ relief

Cukil kayu / woodcut yang sering disebut juga sebagai xilografi (xylography), sebagai teknis grafis paling awal, kian lama kian ditinggalkan meskipun sebenarnya masih cukup bermanfaat bagi beberapa kebudayaan, mengingat kelebihan-kelebihan yang bermanfaat bagi perjuangan-perjuangan pada kondisi tertentu.

Teknik cukil kayu ini di China telah digunakan untuk mencetak gambar dan tulisan sejak abad ke-5. sedangkan di Eropa teknik ini dikembangkan sekitar tahun 1400an hingga teknik serupa dimassalkan oleh Gutenberg. Di Jepang cukil kayu yang dikenal sebagai Ukiyo-e, pernah mengalami masa keemasan di masa periode Edo (1600-1868 Masehi). Cetakan-cetakan tersebut berupa fiksi yang banyak bersubyekkan dunia Geisha serta prostitusi yang marak di jaman feodal Jepang saat itu. Cetakan-cetakan tersebut sangat digandrungi masyarakat klas menengah atas saat itu. Cetakan-cetakan yang halus dirilis dalam ilustrasi buku ini kemudian menjadi ikon seni rupa Jepang saat itu, bahkan Ukiyo-e merupakan cikal bakal bagi perkembangan komik Jepang ang membanjiri toko buku-toko buku dunia saat ini.

Namun dengan adanya Restorasi Meiji, sebagai respon dari tekanan Komodor Perry bersama Delegasi Amerika dalam Perjanjian Tanagawa pada tahun 1854 untuk membuka pasar serta peradabannya. Setelahnya, para interprenur barat telah memboyong tradisi seni Jepang ke dunia barat tewrutama ke Paris. Setelah kedatangan mereka, produk-produk seni budaya termasuk tradisi cukil kayu membanjiri dunia barat terutama Paris yang menjadi pusat kesenian saat itu. para pelukis beraliran Impresionist maupun post-Impresionis beramai-ramai menggunakan semangat, teknik ataupun efek teknik Ukiyo-e dalam berkarya. Sedangkan di Jepang sendiri perkenalan teknik cetak yang lebih efisien untuk industri pencetakan modern yang diimport dari dunia barat telah meredupkan tradisi Ukiyo-e.

Di Eropa banyak pula pekarya yang menggunakan media ini untuk berkarya serta mengekspresikan pandangan sosial politiknya. seperti Kathe Kolwitz yang dengan lihainya menggambarkan pergolakan politik di masa dan tempatnya berpijak.Sedangkan di Indonesia sebelum dan setelah jatuhnya Rezim Orde Baru di bawah komando Jendral bintang lima Soeharto cukil kayu menjamur sebagai alat untuk memotret realita; merespon permasalahan sosial hingga mengagitasi( merombak) kesadaran masa untuk berontak dan melawan kezaliman yang digelorakan oleh JAKER (Jaringan Kerja kesenian Rakyat) termasuk kelompok-kelompok yang ada diorbit mereka seperti Komunitas Anak-Anak Sanggar Suka Banjir, Solo yang telah mengenal alat ini seperti yang terlihat disebuah terbitan alternatif Ajang sebelum keruntuhan rezim di atas. Perlu disebut, Penggunaan media cukil kayu pernah mencapai masa keemasannya ketika media ini diusung oleh Lembaga Budaya Kerakyatan Taring Padi yang berbasiskan mahasiswa-mahasiswa ISI (Institut Seni Indonesia). Karya-karya tinggi estetika yang bertemakan ajakan melawan sisa-sisa orde baru, tema lingkungan hidup serta tema kerakyartan lainnya.

Dewasa ini media propaganda cukil kayu semakin ditinggalkan. Tradisi ini hanya tersisa dibeberapa komunitas marjinal seperti Sanggar Caping, Nurani Senja, Indie Art, JAKER, serta beberapa komunitas lainnya. Hal ini disebabkan oleh dua hal yang mendasar. Pertama, sebagai media berekspresi telah berkembang media-media baru seperti berkembangnya teknis pencetakan. Pencetakan selebaran, poster maupun media propaganda lainnya semakin massal, mudah dan murah. Kedua, berkembang pesatnya komputer grafis mengakibatkan migrasinya sebagian besar pekarya untuk menggunakan photoshop, Corel Draw dan lain sebagainya sebagai bahasa visual.
Namun ketika hak paten didengungkan, termasuk software komputer grafis sepenuhnya berpaten sebagai konsekuensi dari globalisasi, sehingga berimbas kepada harga yang mahal kalau tidak berhadapan dengan mekanisme hukum sebagai pembajak, beberapa pihak mencoba kembali menggunakan kembali seni cukil kayu. Termasuk yang dilakukan oleh Galeri Publik, institute for Global Justice yang bekerja sama dengan JAKER dan Indie art. Mereka mengadakan diskusi tentang media ini dan kemudian merancang serta melaksanakan workshop-workshop cukil kayu di beberapa komunitas kaum miskin kota dan komunitas buruh dipinggiran Jakarta yang kemudian dipamerkan. Ternyata sambutan masyarakat begitu antusias, ketika hasil karya manual dapat diperbanyak secara instan. Tema-temanya pun beragam, tetapi ternyata banyak dari karya-karya pesaerta workshop yang kebanyakan pemuda, pekerja seni maupun buruh ini banyak bicara tentang sistem ekonomi politik yang ada dikaitkan dengan realitas sosial yang ada. Dari gambaran kekumuhan di bawah jembatan layang, hingga badan-badan ekonomi dunia yang samar-samar mereka pahami sebagai penyebab krisis ekonomi yang ada. Jelas sudah rakyat awam membutuhkan media-media alternatif untuk ‘berbicara’ ketika media massa besar dirasakan kurang menggambarkan permasalahan sesungguhnya di tingkatan keseharian. Nampaknya ghairah itu menyeruak kembali.

1.2. Pengertian dan Prosedur Teknik woodcut/ Relief/ Cukil Kayu
Teknik woodcut adalah teknik cetak tinggi yang menggunakan bahan dasar sebuah papan kayu yang diratakn permukaanya. Jenis kayu dan bentuk kayu yang digunakan tergantung selera penciptanya sendiri. Adapun urutan kerja atau proses kerja pembuatan karya grafis dengan teknik ini adalah sebab:

• 
  Pertama, merencanakan design atau gambar kerja yang merupakan tuangan ide yang unik lagi artistik pada suatu bidang gambar. Rencana atau desain ini harus dibuat terlebih dahulu sebab tanpa melalui fase ini proses pembuatannya nanti akan terhambat atau akan gagal.
• 
  Kedua, memilah gambar mana yang akan dijadikan sebagai penghantar tinta dan mana yang bukan.
• 
  Ketiga, memindahkan rencana atau desain tersebut ke permukaan atau bidang papan kayu yang akan dicukil atau ditoreh.
• 
  Keempat, menoreh atau mencukil bagian yang tidak digunakan untuk menghantarkan tinta ( bagian negatif) dengan menggunakan pisau cukil( wood cut). Teknik mencukil ini hendaknya memperhatikan arah serat kayu, disamping itu kondisi alat cukilnya juga tajam.
• 
  Kelima, setelah pekerjaan menoreh atau mencukil diangap selesai, maka acuan cetak telah terwujud, dengan demikian acuan siap untuk dilumuri warna atau tinta cetak terlebih dahulu.

Pada prinsipnya setiap acuan atau bagian yang positif akan dipergunakan dalam proses pencetakan hanya untuk satu warna saja, oleh karena itu bila menghendaki atau ingin membuat karya yang multi warna atau poli warna, maka acuan yang dipergunakan untuk menghantarkan warna harus sesuai dengan jumlah warna yang dikehendaki. Tentunya tanpa menyiapkan atau merencanakan desain yang lengkap atau rinci alan mengalami kesulitan dalam mencari ketepatan atau kesempurnaan hasil cetakannya. Dengan demikian untuk memudahkan dan mencari ketepatan atau kesempurnaan hasil karya, pertama harus dibuat design induk yang telah lengkap dengan warna yang dikehendaki, yang kemudian dibuat separas gambar kerja. Sehingga untuk setiap warna ditera terpisah pada bidang bahan acuan yang berlainan.

Contoh karya grafis seniman anak bangsa yang memakai teknik woodcut adalah karya AC. Andre Tanama, lahir di Bandung, 28 Januari 1958 lulusan IKIP Seni Rupa jogja dan ITB Seni Rupa (1979-1986), sekarang Dosen seni rupa ISI Jogja. Karyanya yang fenomenal adalah “ Hegemoni Teknologi” Karya ini pertama kali dipamerkan dalam Trienal Seni Grafis Indonesia II yang diselenggarakan di Bentara Budaya, Yogjakarta, 14-23 September 2006, mendapat pengakuan dari panitia penyelenggara, A.C. Andre Tanama dinobatkan sebagai jawara.

Secara teknik sebenarnya karya ini menggunakan cukil kayu,namun dalam finishingnya AC. Andre Tanama menggunakan teknik cetak digital. hal inilah yang sempat menjadi perbincangan di kancah seniman Grafis terkait penggunaan media komputer dalam seni grafis.

I.2. Peralatan Cetak Tinggi
Karya cetak tinggi dapat terwujud melaluia beberapa cara yaitu teknik Woodblock,Hardboard, Linocut, dan Collage. Karena perbedaan teknik itulah
maka alat yang dipergunakan berbeda pula, alat tersebut antara lain sebagai berikut:

Pisau Cukil
Alat ini dipergunakan untuk mencukil bagian dari kayu yang tidak dipergunakan untuk menghantarkan tinta. Bentuk ujung pisau cukil bervariasi,yaiut berbentuk lengkung kecil, dan lengkung sedang, berbentuk “v” kecil dan “v” besar, beerbentuk datar, dan berbentuk serong.

Kaca
Alat ini digunakan untuk mengaduk atau tempat mengolah tinta,
Alat Kapi/ Palet
Alat ini digunakan untuk mengaduk atau mencampur tinta di permukaan kaca.

Rol
Alat ini terbuat dari karet dengan pegangan kayu ada pula yang besi. Rol karet ini berfungsi untuk menghantarkan tinta dari kaca setelah megalami fase pengolahan, ke kayu yang telah ditoreh dengan pisau cukil.

Hand-Press
Hand-press atau alat tekan adalah alat yang digunakan untuk mencetak acuan kebidang kertas.

I.3. Bahan Cetak Tinggi
Bahan yang digunakan secara umum adalah Tinta,Afduner/Tiner, dan Kertas manila atau sejenisnya baik berwarna maupun tidak. Sedang bahan secara Khusus tergantung teknik yang digunakan, teknik Woodblock menggunakan bahan kayu, teknik Harboard menggunakan bahan Hardboard, teknik Linocut menggunakan bahan linolium, teknik Collage menggunakan bahan karton atau bahan lain yang memiliki sifat-sifat seperti karton.

TEKNIK-TEKNIK DALAM CETAKAN

Terdapat pelbagai teknik yang digunakan di dalam proses menghasilkan cetakan. Antaranya adalah seperti berikut:

• Aquantint
- Teknik ini merupakan teknik yang mampu untuk menghasilkan sesuatu yang berkaitan dengan nada dan bunyi tanpa adanya had secara pemeringkatan untuk mengubah semula warna dakwat yang basah dan rata dalam bahagian yang luas atau lukisan cat air yang melalui goresan mikroskopik yang amat baik. Ia juga akan membuat lubang terhadap imej pada permukaan yang utama. Kebiasaannya, ia diperbuat daripada zink dan tembaga yang baik. Majoriti artis Goya di Sepanyol (1748-1828) melakukan kerja yang berkaitan dengan grafik dengan menggunakan teknik ini.

• Blind
- Teknik “blind” ini merupakan teknik cetakan yang menggunakan sambungan yang tidak rata untuk menghasilkan jalianan timbul yang lembut atau tidak ketara pada imej putih pada putih; ditekankan pada bahagian imej timbul pada kertas yang tidak berkaitan. Teknik ini biasanya banyak digunakan dalam cetakan di Jepun.

• Collagraph / Kolagraf
-Teknik ini pula merupakan teknik yang menolak kedalam daripada blok yang
tahan pada setiap hasil kerja atau ciptaan yang direka seperti kolaj,menghasilkan
cetakan timbul.

• Drypoint
- Teknik cetakan ukiran benam dalam bentuk yang keras, permukaan besi/keluli yang telah diukir dalam bentuk garisan, menghasilkan getaran yang menjad ikan ciri atau sifat lembut dan garisan yang seperti baldu dalam cetakan terakhir.

• Engraving
- Teknik ini merupakan teknik yang diperbuat daripada kepingan bidang logam yang telah diukir atau digoreskan dalam bentuk garisan mengikut kehendak pengkaryanya. Garisan yang telah diukir hendaklah dicetak dengan tekanan yang berat

• Etching (Goresan)
- Teknik cetakan ini merupakan teknik yang menggunakan kaedah goresan pada permukaan kepingan bidang logam. Pada peringkat permulaan, permukaan logam hendaklah disepuhkan dengan sejenis asid yang tahan karat untuk logam. Kemudian, mulakan dengan melakukan kerja-kerja goresan untuk menghasilkan imej ukiran benam atas permukaannya. Permukaan logam yang terdedah dengan kesan ukiran akan dimakan sedikit demi sedikit apabila ia direndamkan ke dalam asid. Hasilnya akan membentuk garisan apabila ditekankan pada sekeping kertas selepas kepingan logam tadi dibancuhkan dengan dakwat untuk proses cetakan. Teknik ini diketahui telah diperkenalkan oleh Daniel Hopfer (1493-1536). Teknik ini juga adalah lebih baik berbanding teknik engraving dan amat terkenal sebagai seni grafik semasa tahap awal zaman Rembrandt dan zaman Herculas Segher kira-kira sejak abad ke-17. Hal ini mengingatkan kita pada hari ini bahawa teknik ini merupakan salah satu daripada teknik yang serba guna dan juga merupakan teknik yang menimbulkan kesan cetakan yang halus.

• Iris / Giclee
- Teknik reproduksi dengan menggunakan komputer di dalam setiap imej dan topologi adalah hasil daripada fail digital dan dicetak keluar menggunakan mesin cetak “ink jet” yang istimewa, menggunakan dakwat, cat akrilik dan cat minyak. Giclee jua merupakan salah satu daripada cetakan yang meawarkan ijazah tertinggi dalam ketepatan serta kekayaan warna yang telah tersedia untuk digunakan di dalam mana-mana teknik reproduksi komputer.


• Lithography (Litografi)
- Merupakan proses percetakan yang menggunakan cap batu atau logam. Teknik ini merupakan proses “planografik” di dala setiap cetakan yang menolak kedalam tekanan dari permukaan batu atau bahagian atas logam yang sensitif secara kimia. Seterusnya, bahan kimia ini akan membolehkan dakwat melekat hanya pada kawasan yang dicipta, dan menolaknya dari kawasan imej yang tidak dikehendaki. Litografi telah dicipta sekitar tahun 1798 di Solnhofen, Jerman oleh Alois Senefelder. Sejarah awal berkenaan dengan teknik Litografi ini adalah didominasi oleh artis dari Perancis yang terkenal seperti Daumier dan Delacroix, dan kemudiannya dismbung oleh Degas, Toulouse – Lautree, Picasso, Braque dan Miro.

• Mezzotint (Mezotin)
- “Mezzo” bermaksud setengah dan tint = tinta yang bermaksud irama. Berbanding dengan cara menggunakan teknik “engraving”, teknik ini menggunakan tembaga atau permukaan keluli yang rata, untuk menghasilkan ilustrasi dalam ukiran timbul dengan adanya kesan teknik cahaya dan bayang- bayang. Bahagian utama dalam permukaan objek yang rata adalah dijadikan kasar dengan menggunakan alat yang disebut sebagai jumpelang “rocker” semasa proses mendakwat, ia akan dicetak dengan dakwat yang terang. Bahagian yang sepatutnya adalah putih atau kelabu di dalam cetakan adalah digosok ke bawah. Kebiasaannya, teknik ini digunakan semasa abad ke-18 dan abad ke-19 untuk meghasilkan potrait dan lukisan yang lain, tetapi menjadi kuno ataupun telah dilupakan setelah wujudnya teknik “photoengraving.”

• Monotype (Monotaip)
- Merupakan antar teknik yang diperbuat daripada lukisan yang dihasilkan pada kepingan logam atau gelas dan pindahkan lukisan yang masih basah tadi kepada kepingan kertas dengan menggunakan tangan atau teknik menekan etching. Jika masih terdapat baki yang mencukupi tertinggal pada atas permukaan logam tadi, cetakan tambahan masih lagi boleh dibuat. Walau bagaimanapun, cetakan semula ini akan menjadi lebih kuat dan teguh daripada imej sebenar. Cetakan monotaip bukanlah proses menghasilkan replika berganda sejak setiap cetakan.

• Offset Lithography
- Merupakan teknik photomekanikal yang istimewa kerana setiap imej yang dicetak akan dipindahkan kepada permukaan logam yang negatif dan dicetak pada atas kertas. Teknik ini sangat berkesan digunkan pada cetakan yang berwarna.

CETAKAN

PENGENALAN

Cetakan ialah proses terapan blok atau plat ke atas sesuatu permukaan kertas, kain atau bahan yang lain. Seni percetakan melibatkan kerja-kerja melukis, mengukir dan mencetak. Dengan menggunakan blok, pemidang dan plat logam, imej dapat dicetak dengan banyak dan disebut sebagai edisi. Semua karya yang dihasilkan dalam satu edisi adalah dianggap karya asli. Cetakan merupakan kesan daripada gubahan yang dihasilkan oleh pelukis pada permukaan blok atau plat. Permukaan blok diukir atau diguris sehingga imej yang terbentuk pada imej atau blok tersebut dapat dipindahkan keatas kertas, kain atau bahan lain.

Cetakan dilihat hanya sebagai aktiviti seni kedua penting selepas lukisan, ukiran mahupun fotografi. Hakikatnya, seni cetakan ini mempunyai daya hidupnya tersendiri, terus mekar dan subur seiring kecanggihan persekitarannya. Daripada teknik tradisional seperti cetakan skrin, potongan lino, potongan kayu, gurisan, litografi hingga ke sinaran kosmik dan cetakan kreatif menggunakan teknologi komputer terkini, kita akur bahawa seni unggul melampaui fesyen dan sentiasa menawarkan sesuatu yang baru, tanpa mengira tarikh ia dicipta ataupun usia penciptanya.

Hasil terapan warna dari blok atau plat, atau menyapu warna melalui suatu stensil di atas sesuatu permukaan dinamakan cetakan. Permukaan blok cetakan mungkin timbul, terbenam atau rata bergantung kepada jenis cetakan. Permukaan yang boleh dicetak terdiri daripada kertas, logam, kayu, plastik dan kanvas. Kelebihan cetakan ialah dapat menghasilkan cetakan yang banyak dengan menggunakan blok atau stensil yang sama. Stensil atau blok boleh disusun dengan cara-cara yang berbeza menggunakan warna-warna yang berlainan. Hasil-hasil cetakan boleh disusun dalam bentuk siri (dinamakan edisi), dimana semua cetakan dalam siri mereka. Cetakan juga merupakan proses menggambar atau mencorak yang dihasilkan dengan mengguris atau memotong permukaan plat dan menggunakan pigmen. Kemudian gambar atau corak dipindahkan pada permukaan kertas atau kain. Melalui teknik cetakan, kita akan dapat menghasilkan beberapa edisi karya yang sama dengan mudah.

SEJARAH CETAKAN

Cetakan blok kayu buatan tangan muncul pada abad ke-7 Masihi di China. Industri cetakan mono blok kayu buatan tangan muncul dan berkembang di Negara Barat pada abad ke-14 Masihi. Pada masa itu, kemahiran mencetak digunakan untuk mencetak bahan-bahan keagamaan, perhiasan ilustrasi buku, poster untuk berkomunikasi, propaganda, bahan pendidikan dan sebagainya. Hasil cetakan Albrecht Durer yang terkenal menggunakan blok kayu sebagai blok cetakan. Karya cetakan ini mempamerkan kemahiran beliau dari segi melukis dan mengukir.

Penggunaan warna dalam cetakan diperkenalkan pada abad ke-15. Di Malaysia, cetakan kayu digunakan untuk mencetak kain sarung (kain terap hitam) sebelum kain jawa diperkenalkan. Selepas itu, cetakan muncul menjadi salah satu cabang seni halus yang unik. Selepas itu cetakan muncul menjadi salah satu cabang seni halus yang unik. Cetakan menjadi popular dan digemari ramai kerana:

a) menyediakan beberapa salinan setiap edisi
b) harganya yang tidak mahal seperti hasil karya yang lain.
c) bersaiz sederhana yang membolehkannya menjadi bahan koleksi orang ramai.

Kini, industri cetakan yang menggabungkan teknik canggih melalui bantuan perisian komputer serta kemahiran seni grafik yang bermutu tinggi telah berjaya menjadikannya satu saluran seni yang baik. Sejarah awal cetakan bermula pada tahun 3000 SM. Dikatakan kumpulan sumaria membuat salinan imej kulit kerang di atas tanah liat yang berbentuk empat segi. Hasilnya mereka berjaya mebcetak bentuk relif. Cetakan blok kayu buatan tangan mula muncul di Negara china pada kurun ke 8. pada ketika itu mereka menggunkan kertas sebgai permukaan cetakan. Perkembangan cetakan di Negara Eropah bermula pada 1418 masihi. Pada peringkat awal cetakan digunakan sebagi bahan-bahan pendidikan, keagamaan, bahan propaganda dan cetakan tekstil untuk pakaian. Cetakan bewarna mula diperkenalkan sekitar abad ke 15. di Malaysia, cetakan hanya bermula dengan menggunkan cetakan laser dan jet menjadi semakin popular dikalangan generasi muda. Cetakan yang menggunkan computer juga dikategorikan sebagai computer grafik

PERKEMBANGAN SENI CETAKAN TEMPATAN

Karya-karya seni cetak tempatan terhasil menerusi media potongan kayu. Misalnya, menerusi karya yang berjudul ‘Awaiting’ oleh Tan Tee Chie dan ‘Pertunjukan Boneka’ oleh Lim Mu Hea. Subjek-subjek genre dan kemasyarakatan seperti alam perkerjaan serta langskap persekitaran jelas kelihatan menerusi pengolahan konvensional hitam putih yang bertenaga. Kemudian, muncul Lee Joo For dan Abdullah Latif Mohidin dengan cetakan-cetakan gurisan asid mujarad dan semimujarad pada pertengahan dekad 1960-an. Kemudian diikuti oleh pelukis-pelukis lain seperti Seah Kim Joo dan T.K. Karan menerusi cetakan monotaip. Nama-nama seperti Long Thien Shih, Ibrahim Ismail dan Lee Kian Seng pula muncul menjelang akhir dekad 1960-an.

Menjelang akhir 1960-an dan 1970-an, apabila seni cetakan dijadikan suatu bidang pengajian khusus di Fakulti Seni Lukis dan Seni Reka, Institusi teknologi MARA (ITM) dan kini UITM serta di Fakulti Jabatan Ilmu Kemanusian, USM. Ini kemudiannya diikuti oleh institusi-institusi seni lain seperti Institusi Seni Lukis Malaysia. Menerusi institusi-institusi ini, terutamnya UITM, lahirlah ramai seniman seni cetak Negara seperti Poniran Amin, Ismail Latiff, Mansor Ibrahim, Awang Damit Ahmad dan Jamil Mat Isa.

Karya-karya awal seni cetakan banyak terhasil adalah menerusi media potongan kayu. Misalnya menerusi karya judul “Awaiting” oleh Tan Tee Chie dan “ pertunjukan Boneka oleh Lim Mu Hue. Subjek-subjek genre dan kemasyarakatan seperti alam pekerjaan serta landskap persekitaran seperti alam pekerjaan serta lanskap persekitaran jelas kelihatan menerusi pengolahan konvensional hitam putih yang bertenaga.
Cetakan potongan kayu secara konvensional begitu popular pada dekad 1990 an memperlihatka teknik baru ditampilkan oleh para pelukis tanah air. Ini termasuk cetakan computer oleh ismail zain” kagemusha and The Wax-Resist caper” (1989) dan cetakan-cetakan seperti gurisan foto dan sutera saring oleh ponirin Amin, Bahaman Hashim, wan Jamaludin Imran dan mohd. Jamil Mat isa.

Kehadiran Lee Joo For dan Abdul Arif Mohidin dengan cetakan-cetakan gurisan asid mujarad dan semimujarad pada pertengahan dekad 1960 an kemudian diikuti oleh pelukis-pelukis lain seperti Seah Kim dan T.K Karan menerusi cetakan cetakan monotaip. Nama-nama lain seperti Long Thien Shih, Ibrahim Ismail dan lee Kian Seng kemudiannya muncul menjelang akhir dekad 1960 an.

Seni cetakan lebih bersifat alternatif dan sampingan. Karya-karya cetakan berkisar pada tema yang serupa dengan catan-catan mereka. Keadaan ini berubah menjelang dekad 1960 – 1970 an apabila seni cetak dijadikan suatu bidang pengajian khusus dikajian seni lukis dan seni reka . ini diikuti oleh institusi –intitusi seni lain seperti institut seni Lukis Malaysia. Menerusi intitusi-intitusi seni ini, terutamamnya institute Teknologi Intitut Teknologi MARA, lahirlah ramai seniman seni cetak Negara seperti Ponirin Amin, Ismail Latif, Mansor Ibrahim , juhari Muhammad Said, Bahaman Hashim, Awang Damit Ahmad dan Mat isa. Raja Zahabuddin Raja Yaacob muncul selaku pemenang utama menerusi cetakan serigraf “ Luar dari yang diketahui “.

JENIS-JENIS CETAKAN

Cetakan boleh dibahagikan kepada empat jenis iaitu cetakan timbulan (relief), cetakan benaman (integlio) cetakan planograf atau litograf dan cetakan stensil atau sarigrafi.

Cetakan timbulan kaedah potongan kayu

Cetakan potongan kayu merupakan kaedah yang paling lama digunakan dalam kalangan pencetak. Cetakan ini mudah dilakukan kerana bahan dan peralatannya mudah didapati. Cara dan teknik cetakan kayu ini boleh digunakan untuk mencetak lino. Perbezaan cetakan lino dengan cetakan kayu adalah permukaan lino licin berbanding dengan permukaan cetakan kayu yang berira. Kayu yang berira ini mencantikkan lagi nilai imej pada cetakan. Antara cetakan yang termashyur ilah kiss (1902 ).

Aspek asas sebelum mencetak
Alat dan bahan:
i) kepingan kayu
ii) dakwat atau pewarna lino
iii) set pemahat
iv) roda penggelek dan dakwat
v) sekeping kaca untuk meratakan dakwat
vi) pisau pemotong NT
vii) kertas (jenis lembut seperti newsprint dan kertas beras atau rice paper)
viii) minyak linsid
ix) turpentine
x) minyak tanah untuk mencuci alat
xi) spatula

LUKISAN

SEJARAH LUKISAN

Seni tampak atau seni visual telah lama berkembang di Malaysia. Adalah dipercayai lebih dari 200 tahun dulu. Namun kewujudan seni ini hanya menjadi satu kepentingan pada negara mulai tahun 1930-an saja.

Lukisan Tamadun Islam

Dalam budaya islam, penghasilan hasil seni yang bermotifkan haiwan atau sebarang motif lain adalah dibenarkan. Tetapi hasil seni yang bermotifkan agama adalah amat dilarang. Gambaran yang melibatkan penghasilan lakaran berunsur geometri yang abstrak atau motif bunga-bungaan sering digunakan. Penghasilan motif ini digunakan dalam bidang pembinaan dan kaligrafi yang terdapat pada binaan masjid dan buku-buku agama termasuk kitab suci al-Quran. Lakaran-lakaran abstrak ini bukanlah suatu yang dianggap baru, tetapi ianya sudah lama digunapakai sejak zaman Pra-Klasik dan juga zaman Barbarian. Seorang illustrator, M. C. Escher telah memperkenalkan lukisan geogmetri islam ini ke dalam dunia barat yang bermotifkan bunga-bungaan.

Seni lukis pada zaman ini turut dikenali sebagai seni halus. Seni lukis bermula pada zaman Khalifah Muawiyah di Damsyik dan ia biasanya tertera pada helaian safhah al-Quran ygn dihisai dgn corak lukisan bunga dan gambar berbentuk Arabesque dgn pilihan warna emas. Dalam seni islam, pelukis diharamkan membentuk dan melukis makhluk yang bernyawa, namun lukisan ini dibolehkan hanya dengan bertujuan kerana keperluan yang diiktiraf seperti untuk kegunaan pendidikan. Seni lukis Islam biasanya terhad kepada lukisan keindahan alam dan tidak termasuk benda-benda bernyawa yang boleh menjadi pujaan seperti haiwan, dewa atau patung.

Di tengah pro dan kontra itu seni lukis berkembang di dunia Islam. Meskipun begitu, para arkeolog dan sejarawan tak menemukan adanya bukti adanya sisa peninggalan lukisan Islam asli di atas kanvas serta panel kayu. Hasil penggalian yang dilakukan arkeolog justru menemukan adanya lukisan dinding, lukisan kecil di atas kertas yang berfungsi sebagai gambar ilustrasi pada buku.
Salah satu bukti bahwa umat Islam mulai terbiasa dengan gambar makhluk hidup paling tidak terjadi pada masa pemerintahan Dinasti Umayyah (661 M -750 M) di Damaskus, Suriah. Hal itu dapat disaksikan dalam lukisan yang terdapat pada Istana kecil Qusair Amrah yang dibangun pada 724 M hingga 748 M.

Selain itu, serambi istana Musyatta yang dibangun penguasa Umayyah di akhir kekuasaannya tahun 750 M, juga dipenuhi lukisan manusia dan binatang. Pada era kekuasaan Abbasiyah, penggunaan gambar makhluk hidup dalam lukisan dinding juga digunakan pada istana Juasaq Al-Kharqani yang dibangun oleh Khalifah Al-Mu'tasim pada 836 M-839 M.

Makhluk hidup juga menjadi objek lukisan di istana Dinasti Abbasiyah di era pemerintahan Al-Muqtadir (908 M-932 M). Dalam dinding istana itu, tergambar lima belas penunggang kuda. Lukisan ini dipengaruhi gaya Mesopotamia. Lukisan manusia juga terdapat dalam dinding istana Sultan Mahmud Gazna (wafat 1030 M).
Gambar prajurit serta perburuan gajah yang terlukis di dinding istana Sultan itu lebih banyak dipengaruhi seni dari India. Lukisan manusia dan makhluk hidup mulai berkembang pesat di era Dinasti Fatimiyah dan Seljuk antara abad ke-12 dan 13 M. Seabad kemudian, seni lukis miniatur berkembang pesat di era kekuasaan Dinasti Il-Khans  dinasti keturunan Hulagu Khan yang sudah masuk Islam.
Penguasa Il-Khans, seperti Mahmud Ghazan (1295 M-1304 M), Muhammad Khodabandeh (1304 M-1316 M), dan Abu Sa'id Bahadur (1316 M-1335 M) sangat menaruh perhatian pada perkembangan seni. Mereka memperbaiki kerosakan-kerosakan yang diakibatkan oleh invasi yang dilakukan leluhurnya terhadap dunia Islam.

Dinasti ini pun memperkenalkan gaya lukis Cina terhadap seni lukis miniatur Persia di zaman itu. Seni lukis miniatur Persia berkembang makin pesat di era kekuasaan Dinasti Timurid di wilayah Iran. Dipengaruhi gaya lukis Cina dan India, seni lukis miniatur Persia itu tampil dengan gaya yang unik. Seni lukis tradisi berkualiti tinggi juga berlangsung di era kekuasaan Dinasti Safawiyah.

Lantaran negara-negara Islam saat itu berbentuk monarki, seni lukis di setiap kota Islam sangat ditentukan pemimpinnya. Para penguasa Dinasti Safawiyah sebenarnya sangat mendukung para seniman. Salah seorang pemimpin Safawiyah yang mendukung kegiatan para seniman itu adalah Shah Ismail I Safav. Bahkan, dia mengangkat Kamaludin Behzad--pelukis kenamaan Persia--sebagai direktur studio lukis istana.
Lukisan Persia memiliki ciri khas tersendiri. Kebanyakan berisi sanjungan kepada raja dan penguasa. Selain itu, ada pula lukisan keagamaan yang menggambarkan interpretasi orang Persia terhadap Islam-- agama yang mereka anut. Lukisan Persia pun sangat termasyhur dengan penggunaan geometri dan warna-warna penuh semangat.
Yang lebih penting lagi, lukisan Persia dikenal mata ilustratif. Lukisannya mampu memadukan antara puisi dengan seni lukis. Bila kita melihat lukisan Persia, seakan-akan kita diajak untuk membaca sebuah kisah puitis yang mampu menumbuhkan rasa kepahlawanan. Hal itu terjadi, karana lukisan-lukisan itu diciptakan dan terinspirasi oleh syair-syair yang begitu luar biasa.

Penguasa Safawiyah mulai mencabut dukungannya kepada para seniman di era kekuasaan Shah Tahmasp I tahun 1540-an. Akibatnya, para seniman yang bekerja di istana Shah pergi meninggalkan Tabriz, Iran. Mereka ada yang hijrah ke Bukhara kawasan utara India. Tak heran, jika seni lukis berkembang di Kesultanan Mughal, India. Di wilayah ini, seni lukis dikembangkan oleh para seniman imigran.
Salah satu ciri khas seni lukis Mughal adalah lebih bernilai humanistik dibandingkan hiasan. Gambar yang dilukiskan lebih ke dalam bentuk realistik, dibandingkan dalam bentuk fantasi. Pada era kekuasaan Turki Usmani, seni lukis juga berkembang pesat dengan sokongan dari istana Sultan. Para penguasa Usmani memerintahkan para senimannya menggambar beragam bentuk peristiwa tentang kiprah Sultan, seperti pertempuran dan festival.

Di era kepemimpinan Sultan Sulaeman Al-Qanuni ada pelukis miniatur terkemuka bernama Nasuh Al-Matraki. Hampir semua karya lukis pada zaman ini tersimpan di Perpustakaan Istana di Istanbul. Begitulah seni lukis berkembang dari masa ke masa di era kejayaan Islam. Seni lukis yang khas dari setiap dinasti membuktikan bahwa umat Islam pada waktu itu mampu mencapai peradaban yang sangat tinggi di dunia.

Lukisan Tamadun China

Fahaman Daoisme mempunyai pengaruh kuat terhadap bentuk-bentuk seni Cina terutama seni catan dan kaligrafi dan ia menentukan sifat-sifat yang dianggap penting dalam kesenian tersebut.Ini jelas kerana seorang seniman Cina bertujuan menyelaraskan kegiatan penghasilan sesebuah hasil seni catan dengan prinsip-prinsip atau proses alam semesta.

Menurut fahaman ini, manusia boleh melakukan perbuatan dan kegiatan yang bersifat semulajadi dan spontan melalui proses pelukisan gambar kerana ianya satu cara bagi mengharmonikan diri dengan proses alam semesta.
Dalam catan lanskap Cina tradisional, elemen-elemen yang dilukis untuk mewakili alam semesta seperti gunung tinggi yang dipenuhi pokok-pokok , bukit-bukit dan air terjun, pokok-pokok kecil yang rimbun ,air sungai dan tasik dan lain-lain lagi.
Manusia boleh timbul dalam catan lanskap tersebut tetapi merupakan bentuk-bentuk yang kecil kerana menurut Daoisme, manusia cuma sebagai elemen yang kecil dalam dunia alam semesta yang amat luas dan besar ini.
Manakala kemahiran-kemahiran yang digunakan dalam tulisan kaligrafi atau huruf Cina, diaplikasikan oleh seniman-seniman Cina kepada penghasilan gerakan -gerakan berus yang terdapat dalam kaligrafi atau huruf Cina yang terdapat dalam sebuah lukisan ( catan) yang berjaya.

Kebolehan untuk menghasilkan imej-imej yang mempunyai ” imbangan, gerakan dan bentuk-bentuk yang betul” boleh diperolehi melalui latihan-latihan kaligrafi atau tulisan huruf Cina.
Lukisan dilukis pada kain sutera, tembikar dan sampang. Ia biasanya terdiri daripada potret manusia, gambar-gambar yang berlatarbelakangkan cerita-cerita metos dan peristiwa-peristiwa yang benar-benar berlaku. Seni lukis yang mula-mula sekali dihasilkan adalah dari orang-orang Buddha yang kemudian berkembang ke arah keduniaan. Pada zaman Dinasti Tang muncul pelukis teragung iaitu Wu Tao Yuan yang juga merupakan seorang sami Buddha. Dengan beberapa garis, dia telah dapat meletakkan satu lukisan yang bermutu tinggi di kanvas lukisannya.

Seni lukis mencapai kemajuan sebenar pada zaman Sung. Dua orang pelukis terkenal zaman ini ialah Kuo His dan Mi Fei. Pada zaman Dinasti Han, banyak lukisan potret dihasilkan. Tembok dihiasi dengan catan fresco menggambarkan tokoh terkemuka seperti ahli falsafah, raja-raja, negarawan. Kedatangan agama Buddha memberi motif baru dalam seni lukis. Corak lukisan lebih kepada gambar pemandangan seperti sungai, gunung ganang. Batu-batu dan salji.


Lukisan Tamadun Jepun

Jepun merupakan sebuah negara kepulauan yang mempunyai keadaan semula jadi yang amat sesuai untuk perkembangan sebuah tamadun sehingga mampu dikenali sebagai suatu bangsa yang kuat dan negara yang hebat sama ada dari aspek politik, ekonomi, kebudayaan dan sosial. Masyarakat Jepun amat menyedari kepentingan warisan tinggalan nenek moyang mereka dan ikatan atau hubungan mereka dengan tanah besar Asia walaupun secara realitinya mereka menjalani kehidupan yang berasingan iaitu sebagai masyarakat kepulauan.

Selain itu, aspek lain yang amat penting dengan masyarakat awal Jepun ialah kepekaan mereka terhadap sifat-sifat kedewaan. Misalnya, keindahan alam semula jadi yang terdapat di Jepun dianggap sebagai satu anugerah daripada dewa kepada kepulauan Jepun. Hal ini demikian kerana secara lagendanya, masyarakat Jepun mempercayai mereka berasal daripada Dewi Matahari iaitu bukan sahaja keturunan, tetapi meliputi asal-usul tanah dan negara Jepun itu sendiri. Kepercayaan asal-usul ini juga boleh dibuktikan melalui makna Nihon (Nippon) dalam bahasa Jepun yang membawa maksud asal matahari iaitu matahari terbit.

Hiroshige yang terlahir bernama Ando Juemon adalah dari keluarga biasa yang hidup dalam bersederhana. Namun pada umur 13 tahun, ia bersama kedua adiknya telah menjadi yatim-piatu dan harus menghadapi dunia fana yang tiada menentu.
Setelah mengalami kegagalan akhirnya ia diterima disebuah sanggar seni seorang seniman ternama bernama Toyohiro, waktu itu ia berumur 15 tahun. Gurunya dapat mengetahui bakat si anak yang luar biasa dan wataknya yang lurus, sehingga ia diberi gelaran sebuah nama iaitu Hiroshige. Hiroshige yang terdiri dari dua huruf Kanji (aksara Han Tiongkok), huruf pertamanya diambil dari namanya sendiri dan yang kedua dari nama si anak. Tak lama kemudian, si anak menerbitkan hasil karya seni perdananya. Waktu itu ia baru berumur 16 tahun.

Dari tahun 1780 sampai dengan tahun 1800 merupakan zaman keemasan kesenian Ukiyo-e dimana banyak seniman terkenal seperti Hokusai, Utamaro dan gurunya sendiri saling bersaing menyempurnakan seni aliran ini. Seni lukisan Ukiyo-e (genre paintings) adalah lukisan berdasarkan kejadian sehari-hari. Namun seperti yang terjadi di negara Eropah, seni hanya disajikan untuk dan dinikmati oleh kalangan elit dari masyarakat Edo. Oleh kerana itu, tema lukisan berkisar kehidupan para bangsawan atau figure wanita selebriti sedangkan lukisan pemandangan dengan kehidupan rakyat kurang diminati.

Namun di zaman Edo berikutnya yang disebut zaman kemunduran terjadi populerisasi-an seni ke masyarakat luas sehingga terjadi lonjakan permintaan atas barang seni. zaman kemunduran yang berkaitan dengan kejatuhan ekonomi menyebabkan segala percetakan harus dilakukan dalam jumlah besar untuk mencapai "economic of scale". Sehingga satu-satunya cara adalah memasarkan hasil seni kepada masyarakat luas dengan harga tinggi.

Hiroshige yang berkarya di zaman ini mendapat keuntungan tambahan kerana bukan saja ia berbakat lebih dari itu tema lukisannya mengenai rakyatt. Dalam lukisan-lukisan 53-Tahapan Tokaido misalnya ia menggambarkan aktiviti masyarakat Edo yang gemar mengembara mengunjungi tempat-tempat termasyhur dan tempat suci untuk beribadah walaupun harus menempuh perjalanan yang jauh. Oleh karena itu, Hiroshige juga dikenang sebagai seniman yang banyak berpenat lelah dalam merakyatkan seni ke masyarakat Jepun.

Menurut perputaran kehidupan kosmik yang menggariskan kehidupan manusia atas dasar perputaran 60 tahun (sexagenary cycle), mencapai umur 60 tahun adalah waktu bagi seseorang memikirkan apa yang telah ia capai dan menatap kehidupan berikutnya. Dan kiranya itupun yang mungkin terlewat dalam benak si anak genius. Setelah berkarya seni sepenuhnya, Hiroshige meninggal dengan tenang di umur 62. Ia dikebumikan di vihara Togakuji yang terkenal di kota Edo (sekarang Tokyo).

Lukisan Tamadun India

Sekitar 40 tahun lalu, lukisan 'maniture' telah menjadi popular di India dan Barat iaitu dikalangan pengumpul lukisan dan artis. Ini berdasarkan mutu dan hasil kerja yang bagus dimana adunan warna yang menarik selain dari aspek kepelbagaian gaya dan tema yang unik. Sebahagian kecil pakar seni lukisan 'maniture' ini telah menjadi ikutan dan telah berjaya menghasilkan lakaran yang bermutu. Antara penggiat seni India yang terkenal sekitar awal 1900 iaitu Coomaraswamy yang menghasilkan seni monograf diantara tahun 1910 hingga 1912 yang diharapkan dapat memberi pendedahan tentang nilai keindahan seni. Pada awal 1950, lukisan maniture ini semakin tenggelam kerana tiada penggiat seni yang berminat untuk meneruskannya.

Lewat 1950-an, dua orang pakar seni iaitu Ramgopal Vijaiwargiya dari Jaipur dan P.R Kapoor dari Delhi berjaya menjumpai ribuan lakaran dan ada diantaranya dihasilkan dengan kualiti yang amat mengkagumkan. Vijaiwargiya telah membeli hasil seni daripada Rajasthan di Kotah dan Jaipur. Manakala, Kapoor berjaya mengembalikan semula karya seni yang dikumpul kepada waris pelukis di Guler, Sangra dan Basohli. Hasil seni yang dimiliki oleh Vijaimargiya dan Kapoor juga merupakan antara karya yang dihasilkan oleh orang-orang Chamba di Himachal Pradesh. Ianya telah dipamerkankan pada 1976 oleh Stuart Cary Weich di Asia House Galeri di New York. Pameran ini telah mendapat sambutan yang amat menggalakkan.

Lukisan atau lakaran dapat menggambarkan keperibadian pelukis dan boleh menterjemahkan apa yang terdapat didalam minda dan imaginasi pelukis. Lukisan India tidak menggambarkan emosi pelukis melalui lukisan wajah atau muka, tetapi ia amat menitik beratkan postur dan gesture subjek tersebut.